黃進龍,生長在東港漁村,自幼即喜愛繪畫,尤以漁船或港邊的題材最為嫻熟。近年來,黃進龍有感全球化風潮的流動與變異特質,擷取他所熟悉的東方文化哲思做為創作的泉源,畫作表現出一種濃厚的東方韻味,風格獨特。作品題材豐富,精通油畫及水彩畫技法,在畫作中可見此兩種方式的融合並用,使油畫也能展現出水彩透明渲染的美感,成為其獨特的畫風。早期關注描繪海港題材,近年則表現台灣高山的風景,開啟多元的創作主題,作品表現富文化深度。訪談內容

尤瑋毅認為人們在繁忙的社會活動下,漸漸遺忘忽略了孩童時期的初真及生活的情感面。當自身處於隱私空間時,容易出現另一種自我形象,而這種無束縛的形象其實也充滿童真特質,這是調節外在衝突下所產生的內在恆定,對榮格來說Animus與Anima是與自己跟集體潛意識溝通所得到的原型,對於人的追求深化,以及自我整合協調下的完整是一條必經的道路。

蔡宛錦探詢「人」、「人性」與 「生命」的意義,認為宇宙生命的本質包羅物質表象、意識、潛意識、顯現與隱含式訊息等。人體除了肉體的外在象徵,更代表內在的思維與抽象精神。蔡宛錦解構人體,運用肢體語言訊息,重組形塑成具有隱喻意涵的組合人體,作為作品主要的精神特徵。結合具表徵性的圖像和背景,將物質與生命、真實與虛幻、人文與世俗、自然與宇宙間交互盤錯,互為牽動影響的狀態呈現在作品中,企圖接近生命的現象與本質。

風格是每位畫家獨特心靈意識極致的表現在自我完成的過程中累次的堆疊碰撞、前進後退、最後轉化成的,這是一個人的靈魂和本性的終極揮灑。鄒佳哲的藝術語言是具象性的思想中的寫實更有著尼采肯定生命的意志精神。這樣的表現方法讓他心無旁鶩地用眼和心重新體驗我身邊的事物。筆下人物故事和環境呈述是他繪畫的兩大支柱,沒有人就沒有畫面故事,同時人物的性格、命運又離不開將要發生的故事,透過人物的神情,刻骨銘心地傳達藉以拉近與觀者間的距離。

維度,一個無法想像卻只存在於想像的場域。站在物理學的角度來看,維度是描述空間與時間的方式,在人們僅能感知到的四維時空之外的更高維度空間中,是一種無從經驗且無法描述的狀態。在穿越著物理學這一極為理性的領域,陳宏群轉化在繪畫創作上,航向著兩種不同層次的向度,巨觀外在世界的基本架構與微觀內心形塑自我主體認識的途徑;將「不可見的存在」透過顏料遺留在畫布上的軌跡表現出來,讓繪畫自身的存在得以顯現。

童武義喜歡遠離文明,讓生命本源與大自然能夠重新律動合一,吸收原始自然相應的野性,並把心中對於生命與藝術的火焰喚醒。旅行讓他理解了風景的純粹性,於旅行寫生中,簡化了構圖,純化了情感,讓手中的水彩墨韻專注在那由大自然之手環抱所昇起的天與地,彷彿曠野中響起一個聲音,悄聲呢喃敦促回歸生命的起始點。他在描寫這樣純粹之景中得到了啟示,就藴藏在風景之中無需言語贅述的樸素質地,抓住並體會了藝術中的一種精神性。這份理解也成為他未來藝術的精神骨幹:平凡中帶深情,無華裡寫豐富,純粹中見真心。

莊大緯的創作來自於生活的深刻觀察,對當下感受的捕捉。公寓上的亮麗磁磚、水泥磚牆的斑剝質感、飛行下的夜景光斑、紀錄日常的百物圖、巷弄夜燈都是表現的對象。他在乎顏料在平面上留下的痕跡,試圖透過筆觸、肌理及畫面佈局,探索平面圖示與深度圖示間的平衡。

范祐晟從小住在宜蘭,因為宜蘭常常下雨,天氣很潮溼,家裡的牆壁上常常有壁癌、斑剝、發霉,這樣的質感讓他覺得格外的迷人也更有感觸。我們在生活裡尋找喜悅,並寫下回憶,范祐晟想畫出片段般一點一滴的記憶,記憶的畫面不會像照片一樣那麼清晰明亮,回憶與抽象所搭建成立的樣子用層次表現出來,畫面也跟著質感一起呈現,那種斑剝的不確定性,就像在回憶裡撈出片段的畫面一樣,既模糊卻強烈,彷彿在黑暗位自己點亮了明燈,為自己在困境中覓出一條屬於自己道路。

蘇憲法近年的創作,以四季為主題,除了取四季的時空景象之外,也取四季推遞生生不息的含意,表達對創作的熱情是不斷前進的,四季變換自有榮枯,但對藝術創作而言,花開花謝,酷暑寒冬,都是一種人生的體驗,每一刻的美好時光,都是動人的光景。東方文化的深層意識,所謂「意境」、「虛實」、「氣韻」、「墨色」、「書寫性的線條」等,在近幾年創作系列中迸發出來,近乎黑的「冬雪」系列,「冬梅」、「暖冬」的墨色流動、渲染、線條、刷白等。尤其以荷花為題材的夏荷系列,除了「荷」本身極具東方意味的題材之外,表現形式已從早年的「觀荷」寫生到現階段的「借荷」、「玩荷」,所表達的抽象「意境」表現,及「香遠逸清」、「荷韻飄香」的「淨界」了。

侯忠穎的創作風格寫實且技術精湛,取材風格鮮明,寓意深遠並發人省思。作品蘊含著濃厚的人文情懷與獨特的世界觀,尤其『手』在侯忠穎的作品畫面中可解讀為符號,也可變成說故事的人,甚至轉化為一幅幅動人的美麗風景,讓駐足觀賞的人打開心靈的另一扇窗。作品風格脈絡清晰,從符號性到視覺心理的研究與應用,除了視覺和想像上的震撼外,也讓參與其中的觀賞者體會創作者如何探索自我的心靈過程。

陳韋辰作品不乏絢麗的水面倒映,或是融入寬闊天地與花簇,抑或是風景中若有似無的人群意象,均試圖探究萬物之間所存在的照應及互通關係,意圖打造超現實幻境與象徵性氛圍的繪畫,期望透過繪畫帶給觀者視覺上的想像空間,同時引領對於中西哲學所闡釋的生命之法有更深刻的省思,使得一切的存在,在優美而有秩序的共存中,充滿生氣盎然與和諧,這也是陳韋辰個人創作的企圖與期望。

林慶淵擅長魔幻寫實風格的油畫,將令他難忘的事物融入在作品裡。有感於媒體四處渲染、誇耀富裕階層的炫富,無形中逼迫了中下階層的存在意識,彷彿這些人生贏家,才有存在的價值。由於媒體傳達物質與尊嚴之間是劃上等號,使人們轉而認同媒體所建立的價值觀,進入一個虛擬的浮誇世界,成為物慾下的犧牲品。林慶淵以細膩寫實的手法,結合幻想與現實世界的人事物,傳達他創作的心情。

許淑煙作品以融合生活裡的花卉圖樣為創作主軸,從實質的花卉題材,宏觀花卉外觀,直接描繪觀察創作,亦或微觀花卉的意象表現;從生活用品印製的花卉圖案運用,到自然界中的植物花草,透過重新建構所呈現的不同視覺形式,包含部份抽離輪廓線的半具象形式,創造不同氛圍意境;部份卻以非透視的意象安排,讓觀者直接的觀看花卉對象,以具象形式描寫花卉單純的美感,訴說花卉在繪畫創作中的多重角色!

游文志因為失去了一段長達11年的感情,在痛苦中掙扎,為了擺脫失戀的情緒,開始大量搜集有關走出失戀的相關資訊,並得到了旅行這樣的答案,旅行成了解脫的管道,透過旅行,將自身放逐在陌生的異地,去感受不同的城市散發的氣息,去體會不同光線帶來的感動,並透過畫筆記錄下來,創造新的回憶抑或覆蓋之前的記憶,盼望能透過旅行與繪畫來抒發,並在這之中找到救贖,這是一趟旅程,一趟自我對話,自我救贖的旅程~

李明剛生活在這個島嶼,有一份很難除去的心理影響,產生很多不確定感。李明剛企圖將對於這個時代氛圍的觀感,藉由肖像拼湊出來。對他而言,創作是自我追尋的媒介,而這過程必須是現在進行式,所以選擇花費時間相對較長的寫實繪畫。從構想當下到完成,作品本身連結了這兩個時間點,正因為創作的過程如此緩慢,才更深刻的認識自己,作品就成為時間走動的印記,成為活過的人生。

李岡穎作品中,占據畫面大部分的深沉顏色,對她來說它是平靜舒服的存在,而外露的顏色與躁動的筆觸彷彿彆扭的夢境,在那安寧的空間中糾纏著、紛擾著她。這些紛擾正是李岡穎畫中的對象物,都是日常的小物、生活的風景。李岡穎創作中不管是對題材的選擇、形式的組成都有對立的結構,使意義得以在對立的結構中產生。每一幅作品都是一次衝撞,累積到一定的量之後漸漸形成與我生活吻合的樣貌。

李正郎致力於印象派的詮釋手法與寫生創作的精神,以細膩醇熟的筆觸捕捉不同時光、天候下,自然萬物的色彩、光影與空氣氛圍的微妙變化,同時展現對景物深入觀察以及對於台灣土地的深厚情感。受到巴比松畫派和英國風景畫家戶外寫生的啟迪,如印象派面對自然進行寫生創作時,開始深入研究外光在物體上所造成的豐富色彩效果,讓作品保持室戶外寫生的生動性,同樣受傳統繪畫訓練的李正郎,精準地掌握與表現出印象派之精神,繪畫技巧細膩深厚,描繪出創作當下周圍風景的幽深細微之處,作品題材來自於生活的印記,不論是山、海、雲彩,或是鄉村與田野,展現出台灣豐富的自然景色與鄉土的風貌精粹。

潘元和從事繪畫與美術教育多年,在繪畫及雕塑方面皆多方研究。擅長以細膩的堆砌及層疊的手法處理作品,以創作傳達其對生活獨特得觀察眼光,同時捕捉人與人、男與女之間隱藏的親暱情感。潘元和的創作是在解釋自己生命的情境,不只是寫形體色彩之美,更是反應當下心情的真實,透過心象與物象的交融熔融,才是當下的最佳之境,也是寫實藝術之所以“藝術”之處。這樣的狀態所感知的,迎接的是更為豐満的視野以及心靈的感動,細微聲響無所不在的觸發更源始、更內在的詩意,繪畫已不只是單純的畫得像或畫的好而已,而是內在的抒發與釋放。

王峰出生於花蓮,自幼喜愛繪畫,尤其是風景寫生,故經常背著畫具,以「面向自然、對景寫生」的方式,描寫熟悉的土地,沈浸在土地豐富多變的色彩中,享受著與自然「心物和一」的喜悅。雖然王峰寫生的對象仍是陽光、山野、綠樹、淺塘等,但藉著構圖、設色、筆觸等的安排描繪,讓作品散發出生命的韻味,追求古人「風景以意境勝」乃是王峰努力的方向。

姚植傑喜歡到處旅遊、露營、寫生、親近自然,「以大自然為師」尋求創作資糧,近幾年,更落實畫筆不離身,把握每一個當下不斷的描繪自然、再創意境,而從寫生得來的啟發,由有形的表現轉換到無形的思維,再求意的超脫成為抽象。

陳哲創作的形式,喜歡意象。感覺意象的思考,比較有想像的空間,且運筆揮灑不受具象的約束,可隨意運用自己的符號創造意境。此外也偏好色彩,含蓄的色彩令人感到温馨和諧;強烈的色彩振奮人心醒目愉悅;暗色調的色彩令人心平氣和冷靜清爽;對比色的配合,使畫面躍動;調和色彩的配合使畫面更為穏定……。諸多色彩的運用正如戲劇的編導是最高“藝境”的創作。

不同於一般女性藝術家作品予人的柔美浪漫印象,紀美華的作品氣勢恢弘,筆觸自由流暢,擅運用大氣透視法將空氣中的光暈變化及水氣氤氳的感覺表達得淋漓盡致,使景物遠近分明,而且具有視覺深遠的的空間感,近年來作品融入濃郁的東方哲思意境,表現出新東方的人文詩意境界。

張耿源的油畫創作取材自周圍最熟悉的人事,探討「困擾本身內心世界的情感與情緒」,並且藉著油彩和畫布的媒合,找出心靈困擾的問題;不受傳統美學的束縛,進一步正視問題點,描繪出心境的癥結所在。張耿源也藉由油彩的反覆塗抹,有如自我的行動藝術般,進一步的解決內心潛意識的煩惱或宣揚瞬間感動,讓自我的靈魂得到徹底解脫,這就是他自創的「心靈藝術治療」,誠實記載毫無矯飾的內心,在治療自我的同時,也治療病患內心的憂慮,進一步達到藝術治療的真諦。

繪畫一直是朱紋皆很喜歡的事,從畫圖的喜愛中找到不懂,從作品的疑惑困頓中,因理解而自卑。朱紋皆的作品勾勒對生活的欣喜與偶拾,畫教學解惑的材料與技法,也描繪朝夕相處的學生。希望作品中形象與色韻的現實感與真實,能匯成一種撼動人心的魅力,讓作品豐富了層次;也希望這些造形色彩能有不同的語彙與解讀。對朱紋皆而言,繪畫還是不斷的積累、努力與再積累,如果被踏平的泥土就叫道路,那他在和藝術巧遇的奇蹟裡,將來還會用力踩踏著腳步前進。

在邱顯德流浪的經歷中,遙遠的西藏高原,一直是邱顯德難以置信的靈感泉源,它永遠是一個神奇的夢想,也像是一首千古絕唱的詩歌,那裡的高山流水,承載了生命中最為感動的歲月,它以特殊的神祕氣勢與韻味,切入了生命,影響了邱顯德的創作。

卓瑪長期考察研究大陸各省少數民族原始圖騰之演化,將圖騰印記融入畫作,呈現與眾不同的風格。

朱國維的作品,是感性的!每一件作品所呈現的色彩就是情感的主調,寄情故事或是情感於花草植物所交錯而成的空間裡。蔓草疊疊、光影陣陣,交織著迷濛的抽象、詩的語彙、彩的表現;光線襯托出那樹影交織而成的抽象空間,虛、實、色、韻,畫面帶有詩的語彙,東方文化的內涵。朱國維以一種朦朧的手法表現出詩的感覺,時而優遊、時而奔放。裡頭有許多情感、情緒湧上心頭的感覺,難以言喻,值得觀者細細品味、永遠雋永。

從事藝術創作五十年,一直以來都在玩弄點線面及符號,走的是現代風格。但在2012年之後,我終究還是突破了自己,改變了固有的創作思維,走出了「唯美」的迷思,進而探索當代藝術的敘事性與功能性。
遛蟲系列就是在這樣的思維下產生的。
遛蟲系列的創作是從環保意識出發,闡述社會的過度開發已危及了蟲蟲的生存空間,我以一種幽默詼諧的方式來表現這樣的一種憂慮,這是當代藝術的功能性,每個畫面都在述說著一個故事。
這次展出的作品,除了2006年的“斯里那卡的水上人家”與2011年白色迷戀系列的“極地。極想”兩件外,都是遛蟲系列作品,內涵深具入世精神,表現卻是時尚而前衛。 訪談內容

近年來,我一直嘗試在東方與西方的美學之間,找尋一些融合點。沿用書法文字的架構,運用點、線、面、色彩、造形五個要素,重新解釋中國畫的定義,企圖為中國繪畫探討一條新的思維,而它是東、西方文化均能接受的。

此系列畫作把中國古代五行的相生相剋,陰陽的交替,天干地支融合在西方的油畫繪畫中,代表著天地萬物宇宙的生生不息,無限循環。並依據五行的色彩學說,作品中還巧妙地加入相對應的吸收了日月精華幾萬年甚至上百萬年的天然寶石,這些天然寶石是物轉星移的見證,集天地之靈氣,吸日月之精華,以此來加乘各行的好能量,同時作品還把”虛與實”“絕對與相對”“理性與感性”等等的觀念巧妙地蘊藏其中,值得觀者細細品味探討…………


探探討一個事件或事物的其根本問題,在於人性&人心~,而人性&人心的最底層即是人的慾望~聖雄甘地曾說:~世界足以滿足人類~但~無法滿足私慾~~!!
對物質生活追求的物慾;慾求是無止境也無止盡~從古至今皆是如此~我所要表達的事當今社會女性在經濟自足下生活消費的樣貌及心態~追求物質生活的提升,名牌對於她們而言到底是~~身分地位的表徵或是空虛心靈下的替代品~~~
而名牌無罪~在於消費者的追求過程的手段和思維~~~
藝術對我而言是:
一種精神價值
一種內在的真實
一個藝術家生命底層的脈動
創作不僅是將原始的情緒與感受一瀉而出,
而是必須將這些內容去蕪存菁,通過取捨、淬鍊、昇華、淨化等過程,才能產生符合意境的呈現型式。


以生活經驗的反省,並藉傳統經典之作品,做為轉換之媒介,以當代手法表現古代經典題材,進而引燃出令觀賞者意料之外的一個表現。
整體作品以愛、圓融、現在、過去、未來之時間的意象,創作者以大眾通俗的語言伴隨著其積極入世的激情,將個人對於當今社會環境的關注顯現於作品當中。


潘素英在十九年前第一次學油畫,就意識到油畫是一門講究策略的學問,如果只是用抒情或享樂的態度學習,她認為這門藝術無法持續性地研究一輩子。因此她選擇一條較艱辛道路:年過四十再進校園接受學院教育,透過課堂寫生訓練,研究繪畫語彙,培養對象觀察的敏感性以及油畫的基礎製作工序等。她認為繪畫是心、腦、眼、手串聯的體力活,學得越多越能感覺到藝術的無遠弗屆。每次繪畫都像是一場她與自己生命競賽的搏鬥,身在其中充滿痛苦煎熬卻又伴隨無限快樂。潘素英追求藝術道路邁入第二十年,藉由2016年末「潘素英(明蟬)油畫個展」,以人物、靜物、風景等體裁,將十餘系列作品發表梳理。希望以此作為階段性的告別,而後滿懷敬畏之心,繼續勇敢地向前走。


古語云:『人生七十古來稀』,而如今七、八十歲的老人在街上已不足為奇。很慶幸能生活在現代社會,不只多看、多學了很多新事物,也因活得久才有足夠的時間把這些新事物吸收成為自身的智慧。我自幼到今都熱愛繪畫,雖然在技巧上的成熟度、畫風、題材,皆有階段性的差異,但依然保持傳統西畫風格。由古至今的畫家總是不斷地在繪畫藝術上求新求變。在2005年,我受到北德州廣闊的大原野感召,產生了一股創作激情,並渴望突破傳統西畫的表現形式。因此開始勤練書法、潛心讀書,將古人的哲理智慧和對大自然奧妙的闡釋,體現於繪畫中,使我的油畫作品充滿詩、書、畫的東方意境。在歷經十年的修煉,終於研創出這新系列作品,暫且名之:「西方的浪漫 十 東方的意境」。希望能與藝壇同好一起研討,共同在新的時代創作出具有我們東方精神的油畫藝術。


蕭芙蓉畫風纖細溫馨,色彩綺麗浪漫,從早期的古厝與蕾絲靜物系列,發展到田園與花卉系列,到深入觀察八里、淡水一帶討海人家之蚵嫂與海口系列,作品蘊含著大量的人間氣味,主題往往不經意地投向人間辛勞生活的場景,或巧妙地將尋常生活氣景物轉換成藝術語彙,從尋常風景中提煉出創作新天地,作品洋溢著女性靜謐、恬淡、溫潤的氣氛。


王美幸專長為油畫、粉彩,畫作以花卉為主力,人物及風景亦甚為傳神,近年更全心投入融合玻璃創作。作品風格為浪漫具象,以寫實出發,以自然為本,追求色彩與色彩的和諧,表達她的世界及人物、花鳥,作品中所呈現的純淨善美更能溫暖人心。


黃秋月從事兒童美術教育多年,擅長以充滿符號、線條、色彩的抽象畫記錄發生於生活裡的點滴況味;風格鮮明而簡潔、筆觸童稚而洗鍊,用色兼具現代感及東方意味,直接明了地表現事物的張力與故事性。曾任全國百號油畫展、中部美展、台中縣文化中心兒童創意畫比賽評審。曾獲台陽美展、全國油畫展、全省美展、大墩美展等獎項。


李冬雪的作品是生活上的,寫實的。藉著油畫藝術,把自我的感受、感動,表現出來。李冬雪的中心思想是“心誠則靈”,繪畫藝術來自真誠心靈。風景讓人心曠神怡、靜物優雅、人物可以對話、感同身受!達文西說繪畫和音樂是姊妹,音樂可以馬上、立即感受到,甚至三日不絕於耳,然而很快就消失!但一幅好畫掛在那兒,是永久的、思念的、常駐心田!李冬雪期盼自己能畫幅好畫、感動人的畫!藉由油畫,把剎那的感動,化為永恆。


油畫∼能天馬行空盡情揮灑,自在悠遊於色彩之間,寫生∼每一個腳步即是每一種印記,郭淑華用畫筆堆疊無數的記憶,用畫面來述說自己的故事。當油彩與畫布碰觸的剎那,大自然繽紛的色彩,一切美好的時光,完全美妙的展現出來,好一幅人與自然的對話!多年來外出寫生,上山下海,不論晴天、雨天,天天都是好光景,這就是寫生迷人之處!此外還有一個提升郭淑華繪畫的關鍵,因為參加純女性的扶輪社團,認識各行各業的菁英姐妹,以及日後行政經驗的鍛鍊,豐富了繪畫的內容也增加了視野的廣度,這是繪畫生涯非常難得的經驗!


潘蓬彬,畫齡超過四十年的資深畫家,青年時期即在國立台灣美術館(原省美館)舉辦過個展並獲典藏作品,近十年來處於創作高峰期,每年均會舉辦旅遊寫生畫展並出版專輯畫冊,題材遍及歐洲、大陸及更多的台灣。

王泰融因為鍾情旅行,對風景寫生有一股狂熱,特別鍾愛於邊陲地帶,渾然天成的自然風景,他常常出現在清晨的山腳、月夜的海邊、或正午無人的溪畔寫生。最特出的是15年前曾隻身勇闖西藏,海拔五千公尺、缺氧、日夜溫差20度,人稱生命禁區的西藏阿里高原探險寫生長達7個月之久,出版《天堂手記》寫生圖文集,在日本獲得文藝特別獎,在台灣、大陸成為暢銷書,並受邀於紐約Agora Gallery展出。 王泰融認為一個畫家的風格不是學習出來的,而是自然而然流露出來的。他呈現的畫面是物我兩忘、天人合一,十分定靜之下與時空融為一體的氣質散發,畫作自然顯示出一種通透不窒塞的優雅氣蘊,讓觀賞者常常能夠在他的畫中感受到承載這位畫家的龐大能量氣場,以及畫家當時的現場感動。

蔡榮文,曾得過全國美展銅牌獎榮譽,平日最愛拿著畫具直奔大自然的懷抱,自述最愛寫生,堅持再現大自然蓬勃靈現的氣韻,在色彩與線條之間尋找和諧的律動,精準清晰的洞察與感覺,以期突破寫生的表層義涵,探究臨場與創作、自我與造化之間更深沉的內涵。其畫作氣勢宏偉、取景多元、畫面色調肌理厚實,展現出作品豐富多樣的特色。

楊明興自身繪畫的特色是用油彩表現出熱情、和諧、流暢與活潑的光彩,喜歡在晨光中創作寫生,因為日出時五官、五感可以感受到大地甦醒的喜悅,再經色彩與筆觸描繪在畫布上,呈現心中單純直接的感受。楊明興也喜歡在天光下創作,因為鍾情於自然採光的變化,經過多年來的寫生歷練,使楊明興無論面對任何風景都能感受到創作對象豐富的情感,同時在理性與感性間琢磨、延伸、成長,而這過程在呼吸間是一種享受、吸收與共生。

16歲接觸畫畫就開始寫生,老師說師法自然!就這樣楊治瑋走進以自然為師的道路~幾千張的寫生,經歷觀察、聯想、自省一次次的挫折和成長的喜悅~楊治瑋從自然裡尋找美的定律、人文中體會生活的情感!從寫實技巧昇華到內心感受,楊治瑋歷經好久的學習,憑著堅持的態度褪變成長,才嘗到寫生甘甜的滋味!
人的內心存著最自然最原始的基因,融入自然是最舒服的體驗~人文是人們貪念與夢幻的集合,是無窮無盡的深淵~在日、月、風、雨的滋潤~單純的忘記技術和掌聲中,楊治瑋很喜歡寫生~

從小熱愛美術,畫畫是我最大的樂趣。高中時在家政課中接觸了縫紉機,開啟了另一種興趣。大學如願考上美術系,滿足了我多年的夢想。在西畫組裡學習各種油畫、水彩的技巧,也畫了七年的國畫,對水墨的流暢變化、深遠意境,非常著迷。
畢業後有十五年的時間在兒童美術的領域工作,因而接觸世界各國的美術教育,對藝術的本質,有了更深一層的認識。深知好的藝術品,除了具備藝術家的個性與創造力外,更要融入民族性、時代感與生命力。
四十歲離開了兒童美術的工作,開始玩拼布,將藝術創作的精神放入拼布裡,將抽象與具象結合,以水墨的意境表現布繪。自2006年開始,舉辦個展五次,最近五年更加入了羊毛氈、緞帶繡、立體拼布等…。並且自己染布、手繪花鳥,豐富了創作的素材,展現新的風貌。

睽違了五年,終於再一次的發表新作,五年說長不長說短不短,五年內可以發生很多事情,也可以改變很多想法,再這瞬息萬變憂喜參半的平行時空下,很多事情必須學習接受,很多困擾必須學習放下,同時也在作品上有了另一種不同的呈現,生命中的每一個步驟,並非按照著我們所編的劇本演下去,因為我們都不是劇本的主宰者,也唯有讓自己的心,暫時停歇在心靈城堡裡,短暫的避開世俗遊刃其間,在每一次的心靈之旅得到新的啟發,所以此次的作品,有很多內心世界的表達及心靈層面的詮釋,期待與大家分享。
每個人的內心深處都藏著一座心靈城堡,開啟它,你將有無限的可能,歡迎您來到Lilia的異想世界!

【詩歌•田園交響曲】
勤、樸、美、真的台灣農村印象,是最令人感動的台灣人打拼的精神,這次展出的『深耕台灣──田園交響曲系列』作品,不僅呈現出我親身的感動,也記錄下台灣農村發展的轉變。特別是對農村婦女的頌讚,「堅毅勤樸」是她們最好的寫照。在家庭中侍老育幼,工作上認真勤奮的畫面,在每一個角落上演。在田園中努力打拼的農人,彷彿是樂譜中一個個跳躍的音符,與天地合奏出一曲曲動人的樂章。透過絢爛的色彩,變化成一幅幅如詩如歌的畫作。
另一系列『旅人日記──陽光、浪漫、地中海系列』,是我旅遊日記的美麗紀實,將歐洲風景,透過藝術家之眼轉換成創作的元素。希望藉由此系列作品,可提升深耕文化生活的美感,更加對自我文化價值的珍惜與尊重。
『深耕台灣』,不僅讚揚農村生活的簡樸勤奮;偉大的農婦更是我們尊敬的台灣母親。而『旅人日記』則是對生活文化藝術的紀錄和個人的自我覺醒。

【路。無量形。虛空妙相】
在講究批判藝術與挑戰視覺美感的當代藝壇,謝義錩的抽象油畫和水墨創作,仍舊堅持藝術純粹之美的價值。他持續創作且追求的是藝術帶給人與空間的愉悅和美感。是觀眾在欣賞作品時,於心中萌發的愉快精神,以及作品與自我感情的契合共鳴,是畫作與心靈的協奏曲。
此次在國泰世華藝術中心展出的近作,謝老師受德國當代藝術家格哈德.裡希特(Gerhard Richter)影響,以畫刀刮板即興式的將顏料心境發揮得淋漓盡致。全部作品皆以道禪思維為骨幹,大自然山水為意境,抽象表現去追求人們極致純粹的心靈世界。
任何天地萬物都有自己道路,可以很閃亮,也可能無常消失。道本無形化有情,德由心生性最靈。無量形,無盡身,盡虛空妙相。大千世界中一沙一世界,一花一天堂。謝義錩的抽象藝術,萬千形象不知始於何處,也有無盡形貌變化,是虛空妙相,通往真善美的道路。
(節錄自謝義錩近作展畫冊,獨立藝評家–呂卿序文)

1966年生於桃園,是國內年輕畫家中極富潛力的一位,寫實功力紮實深厚,又能超脫諸多限制,近年作品更為瀟灑舒放;作品多描繪國內鄉郊風景,筆觸靈動流利,肌理層次豐富,色彩凝練優雅,表現水天掩映格外精采,充滿印象派捕捉瞬間光影的迅捷揮灑。

當大自然的色彩再也不能滿足心靈上的視覺需求,我開始用“心”去營造我所觀望的視界.帶著紙與筆速寫大自然的輪廓.回到畫布上,以單一色相塑造瞬間意境.畫面充滿的的不只是.靜定.形.色,是追逐光影之外每次旅行的記憶. 身為一個民謠歌手,吉他與鋼琴是生命中最熟悉的樂器.鋼琴花,葉,吉他鳥,和弦符號,以瑰麗愉悅的色彩或分割, 或解構, 或重組是我近年來所創作的繪畫語言.萬紫千紅迎新春,繪畫是無聲的音樂,祝福大家新年快樂 (獨家專訪)

王俊盛,國立臺灣藝術大學造形藝術研究所碩士,現任臺灣藝術大學書畫藝術學系兼任助理教授、長榮大學書畫藝術學系兼任助理教授以及東方設計學院美術工藝系兼任助理教授。主張繪畫之道,在於映心傳意;感悟自然與境遇滲化思維,終以明心見境,傳達感動心靈的內在力量。

藝術創作是創作者內心深處的一種反映,同時亦是潛意識所具體表達出來的象徵,不但是一個錯綜複雜的複合體,更反映了人類內心潛藏的許多情緒、衝動、壓抑、轉化的各種資料,其中具有新生、沉澱、累積、解放,當然也有來自遺傳的部分。 柏拉圖認為:「美是一種價值,價值乃因慾望而生,只有對之產生興趣,才會有價值。」然而,在科技突飛猛進的時代,人類邁向了物質化、機械化,而人們逐步喪失自由思考的時代,甚至因為遠離大自然的哺育和刺激,逃進了科技所築起的保護傘,造成了越來越多的抑鬱與焦慮,形成了現代人過度的追求物慾使得自己身心皆感疲累。 美術繪畫可以是現代人一種紓解壓力、調劑精神的一種方式,以自我的意念取代客觀的描述,而進入主觀的創作,使作品更接近於自己內在的影像世界,將自然所給予的感受描繪下來,讓一個慾望得到滿足,讓每個線條得到節奏,在色彩中得到和諧,在形式中得到完整,讓情感與意識的投射使畫面有了生命的形態。 莫內說:「一個畫家應該要畫,而不是去寫」。繪畫是莫內每時每刻的掛慮,用他的話說,繪畫是一種「執迷」。藝術創作更是以「人」為中心而展現的,在每一個人心中,都有不同的情感、價值與意義,美醜的尺度不再狹隘刻板,從不同的角度來觀看這個世界,展露其屬於自己的形貌與特色,妝點自己千變萬化之美。

楊居澧南投縣魚池鄉人,出生農家,幼時與基督學院為鄰。從此西洋古典畫和田野鄉土風情成為童年全部的記憶。由於父母務農過勞早逝,為緬懷過往,所以畫風多數以台灣早期鄉土寫實為主,也是對五零年代既陌生又熟悉的印象。其作品在法國官辦沙龍多次獲獎。


林和杉出生於雲林台西,從小在鄉下農村長大,喜愛以油彩作為繪畫媒材,其作品內容常與地方鄉土文化作緊密結合,創作來源都來自生活週遭單純的環境,包含農情野趣、自然風景、街坊巷弄等等;透過素材中這些最單純簡單的場景,去探索本土性的痕跡,作品表現技巧熱情奔放,印象創作方式處理光影虛實、強弱的變化,試圖把情感凝固在隱約的光與色當中,運用色彩堆疊出厚實的肌理,產生趣味的強度,並營造出空間的關係。多年來創作不斷,看他作品可細細領略他對油畫創作的用心耕耘與純粹的心境。


“鐵道風情”是長時間一直在做準備的一個題材,回憶小時候搭火車的記憶,轟隆隆的火車頭來往月台的震憾,車窗外的鄉村風景及都會裡的擁擠、匆忙景像,這些畫面都有不同的美感。喜好繪畫的我,一直想把台灣鐵道做整系列的表現出來,長長的鐵軌及列車,透視出強列的遠近空間感,支線的小站停靠著蒸汽老火車,掀起老一輩的往日時光,新列的電氣火車更看出台灣經濟的進步。藉由畫筆來表現火車,了解鐵道的發展,才發現到版圖不大的台灣,卻有了不起的鐵路文化。一百多年來歷經三個世代,清朝時期、日據時期及國民政府時期的每段歷史,都有精彩的故事在其中,值得花時間去探討它。


以往的作品較為偏向浪漫主義的形式.以人文.寫實的風格呈現.主題多以曼妙的舞姿.浪漫的旋律.翩然起舞的肢體律動.因此有了(舞韻)與(律動).而(快樂天使)是以青春少女的感受.在享受初長成的喜悅.就像在聽一首輕盈的歌沉醉在其中.新的作品.是我近三年來心境的轉變.我期待表現作品的同時.也表達出最深層對世界.對這社會的期盼.這幾年藉由陪伴小孩的機會.我想找回孩提時的天真與好奇.對每一個新事物的驚喜與悸動.那份赤子之心是我最渴求的原動力.透過兒子的眼睛.我看見他對動物的好奇與憐憫.也許動物園裡的動物更應該在草原上.深山裡.我的作品(迷)與(回望).只是單純的動物形體.同時也反射出我於藝術世界的迷惘.年過五十看似做些作品.又迷失在這些作品裡.回頭望去.花了許多的氣力.多了很多的想法.又失去更多的想像力.百轉千折.快找不到出口又似見到一絲曙光.(想飛).(轉念).亦是在這樣的心境堨X發.人的形體它永遠拋不開.對於未來.我期待加入更多的元素.這些元素可以是人物的.可以是動物的.也會有植物.是聚象的. 也會是抽象的.也要有古代的戰士.也出現現代的電玩.可能有一天我能找到適合的符號.代替藝術的世界.迷失的越久或許找到的東西會更多.就像走在迷霧的森林.如果可以拋開外面的世界.才可能安心地欣賞裡面風景.


生命的終極在宇宙,而「光」孕育了宇宙萬物,它讓悲傷的世界充滿了希望與溫暖。生命的旅程,是「光」的旅程,也是「心」的旅程。「光」代表的是「生命」和「愛」,藉由畫作中的光,來找回人類本來所有的愛與慈悲。

外在顯現的光,只是人類肉眼的映象。人的喜怒哀樂會隨著光的強弱而起伏不定,而這些情緒的表現,是由人的「心」所掌控。所以能掌控「心」,就能駕馭「光」。心如工畫師,能畫諸世間。用「心眼」看世界,永遠比「肉眼」更真實。人生的冷暖,取決於心靈的溫度。唯有真實了知自我的內心,回歸心的本質,也就是心靈深處的「人性之光」。就可以超越現實與時空,弭平世間的苦難與憂傷。

當你孤獨的面對大自然時,你會發現大自然中所蘊含的神性,那是人們所賦予它崇高浪漫與優美的美感。同時大自然中也有「色彩的聲音」,那是一種永不止息的優美曲調。梵谷曾說:「一個人該遵從的,是大自然的語言,而不是繪畫的語言」。用真摯和誠懇,描繪大自然的「光」。將「光」在宇宙和內心的本質,藉由畫作表現出來。讓觀賞者從我的作品中,體會了大自然的平易近人和滿盈的愛與溫暖。光的雕刻師與心靈療癒師是我一生的職志。也希望能一直本持「無緣大慈,同體大悲」的情懷,將更美好的作品呈現給大家,為社會的美育貢獻點心力。

陳文輝專職創作數十年,此次「平溪遊藝」展覽,可說是陳文輝創作生涯至此的整理與回視,經由外在投射的「鄉」,與內在尋求的「家」,陳文輝架構了自我豐富的藝術寶藏,觀者可由陳文輝的創作中,得知藝術家踏實純良的起心,思維浪漫的內在,與嬉遊童趣的本性,與過往平溪在他的眼光中那股清淨的氣流,經此造就了陳文輝的藝術,與他想往的歸屬。也許這也是畫前的你,尋求的故鄉。

在異國留學多年的單煒明,以森林風景為多件作品主題,仿如將自己投射在想像與真實之間,以抽象的意念與手法表露自身的情感,畫作中自然的流露出旅人身處異鄉時一種淡淡的孤寂感。

萬物皆有其被關注的價值,觀看的方式亦是創作者應該深入探究的部份,除了觀念上的不斷思索之外,在創作動機上,因為對人類特有的心理運作充滿無盡的好奇,如何用不同的方式闡述對象與延續創作主題的再深探也是我樂此不疲的創作原動力,這樣的演化過程是一段無法預測結果的體驗,但每一次的主題都讓我體會到發現與創造的樂趣並給予自身心靈上的最大滿足。 藝術擁有最簡單的本質,但卻有最不凡的深度,創造是永無止境的,期許自己未來能繼續保持對藝術的熱情和對世界的好奇,也期盼作品能帶給觀者重新省思生命的無限與宇宙萬物帶給我們的啟示。發現平凡中的不平凡,感動簡單中的不簡單,即是心漪創作以來的觀點和信念。

當代的精神生活是如此形象怪誕而毫無秩序的連續著,人們對世界碎片化的感受如同不停調換頻道的電視觀眾和不斷更新資訊的網路使用者,我們構築了屬於自己的奇異幻想世界。因此當個體或自我主體消失時,焦慮憂鬱的時代降臨,亦即羅蘭巴特所提到的「作者已死」。在這個世界快速轉臺的情形下,造成一種到處資訊過剩的奇觀,每一個人好像看到甚麼又好像沒有真正看到甚麼。
藝術依然是藝術,熱愛藝術的人並不因此而減低熱情,只是方式各有不同,能自由地表達自我的內在精神正是藝術意義之所在,而這一片意義是珍貴的,我一直有意跟這一片珍貴融合在一起。儘管生命的本質真實痛苦而又虛無幻滅;圖像藝術的世界裡卻彷彿可以讓人選擇忽略現實中一切的矛盾與失敗,它是自由精神的保證,保留一處心靈可以高歌的淨土。

創作理念:以自然為本、靜觀自得
大自然豐富萬千的色彩變化,奇特的結構造形,以及四季幻化的不同風貌,引人遐思,令人神往。而採用印象派的技法來描繪自然,最能表現出我個人內在的覺受,在寒暖色的烘托、迷濛的光影和自在揮灑的筆觸中,有具象的形體、亦含抽象的韻味。在創作時,除了客觀環境,併加入主觀意念,主觀改造情境以提升藝術層次。

深入心靈發掘內在的需要而發現自己。 藝術家透過與環境之互動,經歷、感受萬象世界,經過一翻學習、體驗、不斷反思自己的磨練,得到明淨的視覺形象;以一個清澈的思慮內省自我,把握自己的創作,因此所要表現的東西也就清楚了,這樣的歷程其實同時也是對自我認知的尋找,一旦尋找、發現了自己,就得到最自在的創作自由。

吳麗玉畢業於國立台灣師範大學美術研究所,作品以瀟灑、濃艷而別出一格。用筆果決大膽、瀟灑而淋漓暢快,造型則簡約概括,用色濃郁、飽滿並兼富冷暖變化。畫面表現出描繪對象豐富的生命力,畫面中粗礦且不拘一格的造形語言,富強烈的個人特色。

歐紹合作品藉由日常生活的接觸、感動與經驗,畫家提煉出屬於個人的內在情愫,深刻的表現出凝視、微觀的內心境域,藉以濃厚裝飾性與高雅氣質的圖騰烘托出圖象背後另一層的象徵價值,象徵語彙如同超連結一般,在表面知識與訊息下隱藏豐富的相關資源與意念,透過情感的形式結構產生情緒的共鳴,使得藝術品不僅僅是其表面單一價值,更是連結約定成俗、文化、人類情感…等經驗,重新引發圖像各種新的思維與價值。

葉繁榮,1960年生,台灣省苗栗縣人,國立台灣師範大學美術研究所西畫創作組畢業.,俄羅斯聖彼得堡列賓美術學院研究,現任中華民國油畫學會、五月畫會執行長、藝術鑑賞顧問,與專業畫家。葉繁榮創作根源於所熱愛的「大地印象」,筆觸細膩寫實,畫面柔美,兼具詩意及感性。畫幅空間格局寬闊,氛圍平和,以紮實的美學理論與繪畫基礎,編寫土地美景,訴說哲學玄理,觀其畫作值得細細沉思,品味真善美的內涵。訪談內容


陳香吟擅長以古典主義描繪庭園陽光明媚、花卉粉嫩之美,風格典雅,用色飽和鮮豔,使其畫作散發出一種理想的人生境界,觀其畫猶如進入畫中漫遊,感受到安逸而寧靜的美好時光

王健碧為國內知名的古典寫實風格女性畫家。畫風以寫實細膩見長,尤專注於花卉靜物的描繪,遵循古典的構圖與技法,並以和諧色系統一畫面,作品溫潤典雅。

董小蕙(1962-),專業畫家。國立台灣師範大學美術研究所碩士,台北市立教育大學駐校藝術家(2010)、兼任助理教授。早期研究印象派畫風,多次赴歐洲遊歷創作,並致力於老莊哲學之探研,寫成專著《莊子思想之美學意義》(臺北學生書局,1993)。九〇年代後期畫風轉變,融入中國哲思之人文美感意境,創作了獨具個人風格的「黑桌靜物」、「老院子」、「黑白系列」、「濃蔭系列」和「大樹家族」等畫作系列。「老院子」系列,起源於畫家對於自身居住環境改變的深刻感受。台灣地區許多日式房舍院子近年來因商業需求而大量拆除,因此畫家希望為該年代的人文景觀與生活感受留下一份紀錄。

簡昌達,1962年生於屏東,師承前輩大師楊三郎、李石樵、陳景容等,現為專業畫家。簡昌達透過泛印象派的視野詮釋光與色的變化,對色彩變化尤為敏銳。創作時喜以畫、堆、甩、蓋的方式,製造渾厚多變的肌理層,並藉此達到色彩顏料隨機融合的效果,於風格上瀟灑豪邁、自信坦率。近年嘗試以半抽象及抽象方式表現風景,藉著色料與多元媒材隨機融合的效果,創造出全新風格的藝術表現,從心靈上的探索以及他對自然的感情世界來深入發掘。其作品深受國內外收藏家及公私立單位的肯定與收藏。 


梁晉嘉以卓越的寫實技巧聞名,其靜物畫多描繪生活中簡單質樸的細節、熟悉的物品與場景,自然流露出一股親切的情感;人體畫則顯示畫家敏銳的細節觀察能力,肌膚柔軟的質感與溫潤的色澤,常使觀者欣賞過後久久難忘。

楊淑惠,1966年生,國立藝專美術科系畢業,以靜物與花卉為創作代表,用古典的風格詮釋生活的靜和甜美。以女畫家特的眼光,發掘生活周遭的小事物、小美麗,並將之收攏於畫面之中,架構了每個人心中嚮往的美好片刻。構圖均衡平穩、用色溫潤典雅,流露出女性特有的浪漫情懷;不論是描繪室內燭光下的瓶花,或者戶外陽光下的花草樹木,都展現出溫馨、詩意的細膩美感。


陳崑鋒為美國長島大學多媒體藝術研究所碩士、美國紐約大學藝術研究所碩士。早期以傳統的寫實外光派風格出發,奠定了對土地和生活細膩的觀察,與平原光色流動展現色彩和筆觸交織的豐富表情。2002年始以拼貼的方式擴展延伸平面藝術的敘事可能,2007年開始將作品概念從「開放空間」系列前進到「越界」系列,研究平面繪畫與不同影像媒材之間的可能性與轉換空間;畫面中隱約透露出記憶的殘存效果,進一步發展出透過物理引申創作與情感記憶中的一段自我對話。現任朝陽科技大學副教授。

蘇瑞明擅長描繪即景,不論是旅行途中剎那呈現的視覺美景,或隱身於巷弄間充滿歲月風情的市集小鎮,抑或是雨後隨意漫步行經的街角巷衖、熱鬧鼎沸的魚市與海港,皆能入畫,蘇瑞明透過畫筆表達對寶島不滅的熱情活力與深刻的依賴情懷。

陳銀輝的作品重視色調的處理以及結構經營,以抽象及半抽象風格表現人、物潛在的詩意與激情。畫布上自由揮灑的點、線、面如同文字、音樂一般,直接傳遞動人的旋律,更貼近於內在的意象世界。訪談內容

王守英,1934年生於彰化,迄今創作已超過五十年。王守英創造獨特的筆法,以輕薄透明的顏料層層堆疊,表現油畫豐富炫目的層次與效果,尤其擅長花卉與自然風景等主題,透過色彩與筆觸的自然搭配,展現鮮活萬物獨特的生命感與律動感。與一般印象派畫家不同的是,王守英創作時並不著重「光」的表現,反而強調「色」及「影」的佈局,使畫作具有一種圓融和諧的氣氛,清透迷離的詩興趣味,並藉此強調出花卉及林木的曖昧,與風景如幻的美感。訪談內容

陳輝東素描根基深厚,構圖紮實穩重,對於景物的氣氛、人的神韻氣質以及光影變化,皆能忠實的掌握呈現,他以寫實的角度處理畫面主體,用筆穩健細膩,背景則大膽瀟灑,藝術表現臻至收放自如。

賴武雄兼擅油畫及水彩創作,舉凡風景、花卉、群像各具特色,風景揮灑自如,人物刻劃入微,花卉栩栩如生,多變的色彩藉由肯定的筆觸堆疊,畫風悠閒自然,厚實穩健。

蔡文雄,1945出生於台灣淡水,1978年旅居美國,直至1992年回台定居。對於創作,他不承襲既有的風格或筆法,而是將自然景物和日常生活融入個人視域中,賦以深刻的體認與觀照而內化於心,再以層層的色塊轉化成更為遼闊的直觀式藝象,賦予存在的嶄新秩序與樣貌。蔡文雄的創作不拘泥於具像的形,在筆墨揮灑間,流淌的是形而上的抒情寫意,以精神遙應古代文人托物言志,筆墨遣懷的趣味與情境。訪談內容

蔡正一,1954生於台中,台灣師範大學美術系畢。早期題材 多以自然景物入手,描繪鄉鎮山川等景色,歷經多年的創作累積與心境轉換後,作品形式漸趨於簡潔,採用明亮色系和灑脫的筆觸,穿梭在點線面的色彩組合中,營 造出頗富韻律且和諧的畫面。蔡正一的創作模式,是借道「現象」以通達「心象」。也因此,最終的作品和現實之間,維持著一種「若即若離」的參照關係,和一種 若隱若現的對話狀態。以半抽象的造型和主觀性的色彩來演繹,也是一種自省和內斂的思惟,讓人感受到他的作品內涵中的那段「情」、「色」和鳴的溫馨境界,與 人在視覺上產生新的詮釋。


楊永福,1955生於台北,畢業於台灣師範大學美術系,從事美術創作期間多次獲獎,至今耕耘風景油畫40年,努力推動全民油畫寫生運動不遺餘力,曾獲國家頒贈推行美術教育有功人員獎章,。楊永福擅以自然的風光入畫,用色精準,筆觸洗煉。作品溫潤純熟,對自然景物的觀察入微,能夠精準地掌握風景特有的色溫,描繪田野山澗的詩意風情;在風俗文化及服飾器物的繪畫上,亦有深入的研究與詳盡的描寫。作品風格靜謐,凝結了美好時光中美好的畫面,引人入勝。訪談內容

在台灣水彩畫壇中,謝明錩算是「意念水彩」風格的唯一代表。他的畫每一幅都不同,因為他每一幅都有話要說。除了畫外之意與弦外之音,他的作品不論內容與技巧都充滿當代性。他把自然當成圖像而非風景,他對自然提出意見而非表現,透過編輯剪裁,融合了人文、結構與觀念。他打破了世人對水彩的成見,走出寫生之外的另一條新路,他同時表現了寫實與抽象,結合了文筆與畫筆。在台灣的水彩畫史上,我們沒有見過這樣的畫……

1959年生於嘉義市,台灣師大美術研究所西畫創作組畢業。紀美華的油彩畫作透明感與空氣流動效果強烈,筆觸爽利流暢,擅長描繪地平線與天空並排相接的開闊遠景,畫面著重構圖的平衡感,作品散發疏通豁達的氣韻。

畢業於大學建築系,五十歲後為了完成童年之夢,毅然提筆摸索地進入油畫的陌生世界。其作品中隱約的呈現空間與透視的設計感,畫作中理性的筆觸轉化為感性的傳達,光影的處理更有獨到的見解,每一幅畫都像畫設計圖般呈現一種與眾不同的風貌。

從大四那年算起,我認真刻版畫到今天已經超過十年。十年,對人的一生來說,也不算短了。小時候,我外公教我寫毛筆字,寫顏真卿,記得是〈多寶塔〉,還有〈顏家廟碑〉,如果要說我創作木刻版畫有什麼企圖,那麼,我真希望能在作品中傳遞一絲絲如顏真卿書法的那種莊嚴、樸厚與光明。木刻版畫,特別黑白木刻,因為非黑即白,所以特別的陽剛、明快,並在中國有民間的深厚傳統,在西方則有左翼的衝撞精神;在上個世紀,美術史上則出現了的德國的珂勒惠支以及日本的棟方志功這兩位典範,我所刻的每一刀,都懷有我對他們的敬意。

李昕恩,1972出生於高雄,於2003開始致力於繪畫創作迄今。創作靈感來源,並沒有刻意去追尋繪畫題材,而是來自生活中的體驗- 如旅行中所見到自然萬物的景觀物象及日常生活中的小確幸…等。透過繪畫,去呈現自己眼中看到的單純世界。面對複雜的社會,回歸單純的心境,用直觀去感受平凡生活中所帶來一些的樂趣與感動。

創作題材以「自然、生命」為中心。自幼在台灣大雪山裡成長的江鳳娌,和自然萬物相近相親。在長大進入都市後,深感人與自然似乎越來越遙遠,經常憶及兒時看見動物、植物的第一眼 ,山裡那美好單純的歲月,多麼讓人嚮往,遂而提起畫筆;畫中投射出的是自然也是自我,更是生命的流動,靈魂的感知。 企圖在繪畫的想像世界裡,呈現內心最真實的感受。這是這是一場與生命的對話,「我想用繪畫造一個生命盎然的森林。」那是一個穿越外在表象之後,無分物種類別,自然的共處、生活在彼此生命之中的美好境地。

1951年生於台北縣,目前旅居日本。李隆吉的繪畫受到中國宋朝花鳥冊頁及日本藝術的長期薰陶,喜以花鳥風月及四季風景為題材,在寫實繪畫中流露出一股寂靜的風流韻味,藉由西方油畫材料表現他心中的東方藝術精神。


倪再沁為前國立台灣美術館館長,現任東海大學美術系專任教授。雖是水墨出身,在八〇年代卻以一隻健筆引動視聽。他的創作與生命力相連,如同其身兼創作與研究者的多重身份,其水墨創作也吸收了其各時期不同理念的能量積累。早期以一種黝黑生拙的造形趣味,來營造內心真實的深沉感受;中期則轉以淡墨積染來追求雲煙供養般的文人理想;近年來其相關系列之表現,無論靜物窗景或是天光海景,畫中總有一貫的倪氏幽默,兼具草莽之野與文人之逸,樹立其有別於當代水墨畫壇的獨特風格。

從15-25歲心靈對話不斷的文學時期,到25-35洞察社會的廣告創意人生涯,以至近20年渾然不察,沉醉色彩與自然的作畫生活,一路走來,那個在高中多次獲得全國寫作前三名,曾以當作家為職志的人,自從進入繪畫藝術,一路走來,發現文字說不清的,有了畫,就道盡了。色彩自有生命,與其說純藝術的繪畫,是純然的自我表現,我寧願說,只是揭露。寫生時,面對景物,循著它的氣息,讓它自然流露。它大於我,我不了解它,也無從駕馭。

邱奕穎生於花蓮玉里,從原鄉田野轉折遷移至都會叢林。創作傾向與時間及空間記憶對話,對景域的追憶與再現,嘗 試以「造境」或「並置」的手法發展。近期則摸索透過色彩光影的律動與質感,衝撞與融合著西方抽象畫的奔放情感與東方水墨的含蓄詩意,表達詩文間內在挺立的 莊嚴,藉由孤寂的散發表現盎然堅韌的生命張力。

楊自然,人如其名,多年來幽居田野,生活的態度以崇尚老莊“無為而治”,創作上堅持以純墨色墨韻傳達他的理想畫面,實現“只有黑白--不論人間是非”,清楚知道自己的創作方向,或人物、或田園風景,總是信手拈來,卓然成趣!

1966年雲林出生,台北長大。城市裡的鄉下人。1999年遷居台南,成了鄉下裡的都市人;長久以來為了找尋畫面,連同心中的那份真實,每幅畫都在費盡心思的要求下,總要反反覆覆來上好幾回。修改的思緒,讓繪畫這件事變成自我成長的載體。面對眼前的對象物,除了感知大量情境的繁複素材之外,事後的微調,相形重要。只因經過反芻,最終的氛圍表現,才是我理想的追求。

1971年生於台南柳營。我成長於鄉下,喜歡田野的寧靜與優雅。常會抽離現實的繁瑣環境,漫步在自然之中。感受陽光、風、鳥語等在空曠的田野裡對話著。莫名的感動,油然而生,藉由面對戶外自然的寫生,讓我釋放出另一個自己,傳達心中帶有詩意的繪畫作品。

林茂涼的作品來自於感動,對繪畫藝術天份生而有之,充沛的感情培育創作能量,驚喜的作品來自於當下的感動,使人產生共振,百看不厭。近年來林茂涼成立「心映畫派」,稱之〈心映〉,即心之所映。用繪畫表現出畫家的感動,於境情生或因心生境,不同的顏色對比線、方塊的形狀皆為其表彰的工具。情境得其宜,無窮之樂在其間,這就是心映畫派自由無拘的樂趣。

1947年生於台南的蘇國慶,國立藝專美術科畢,近年以<樹>為創作主題,雖似紀錄和描繪外在自然世界的表象,同時也為一符號性的象徵與隱喻,書寫紀錄著自我存在的意圖與軌跡,進而探索生命在不同階段的體認感悟,作品融入其精神活動之意念,意旨提昇及超越所運用的符碼,深具省思性。

陳阿發,1947生於花蓮,以鄉土體裁作品立名於台灣中青輩藝術家,為台陽美術協會、中國美術協會等會會員,現任專業畫家。作者喜用台灣鄉土景色、人物、古蹟、風俗、動物、器皿等為題材,,描劃正逐漸消失的傳統景物,予人思古念情。結構堅實的畫面,描寫維妙維肖,深入而生動,筆觸細緻動人,作品多元親切且色彩絢麗。作者作品充滿濃厚的鄉土氣息。流露出獨特的鄉土情懷。並欲以此引起廣大共鳴與回響,回歸過往富而有禮,知足常樂的社會情景。


曾孝德,1952年生,國立台灣師範大學美術系研究所畢,並於俄羅斯列賓美術學院列席研究。作品中總是不乏台灣原住民人情風光的曾孝德,從早期筆觸細膩的人物畫、中期豪放的筆法,直至近年來隨性不拘的筆調,透露出不同時期的轉變更迭,作品色彩豐富、筆觸靈活,蘊含著深厚的人物情愫,晶透膚色、淺笑盼兮詮釋精準。作品受台北市立美術館、國立台灣藝術教育館典藏,國內外個展達18次。 訪談內容


蔡正一,1954生於台中,台灣師範大學美術系畢。早期題材多以自然景物入手,描繪鄉鎮山川等景色,歷經多年的創作累積與心境轉換後,作品形式漸趨於簡潔,採用明亮色系和灑脫的筆觸,穿梭在點線面的色彩組合中,營造出頗富韻律且和諧的畫面。蔡正一的創作模式,是借道「現象」以通達「心象」。也因此,最終的作品和現實之間,維持著一種「若即若離」的參照關係,和一種若隱若現的對話狀態。以半抽象的造型和主觀性的色彩來演繹,也是一種自省和內斂的思惟,讓人感受到他的作品內涵中的那段「情」、「色」和鳴的溫馨境界,與人在視覺上產生新的詮釋。


簡昌達,1962年生於屏東,師承前輩大師楊三郎、李石樵、陳景容等,現為專業畫家。簡昌達透過泛印象派的視野詮釋光與色的變化,對色彩變化尤為敏銳。創作時喜以畫、堆、甩、蓋的方式,製造渾厚多變的肌理層,並藉此達到色彩顏料隨機融合的效果,於風格上瀟灑豪邁、自信坦率。近年嘗試以半抽象及抽象方式表現風景,藉著色料與多元媒材隨機融合的效果,創造出全新風格的藝術表現,從心靈上的探索以及他對自然的感情世界來深入發掘。其作品深受國內外收藏家及公私立單位的肯定與收藏。 


黃心健,是一位精於數位科技又具藝術觀點的創作者。台灣大學機械工程系畢業後,在美國Pasadena的Art Center College取得藝術學士學位,並在芝加哥的伊利諾理工學院取得設計碩士與博士候選人資格。黃心健的作品融合數位科技與傳統藝術,呈現圓滿的深度。他曾與美國的媒體藝術家Laurie Anderson多次合作,包括製作她的首張互動光碟『Puppet Motel』,也曾擔任美國Sony及Sega等電腦娛樂公司的藝術總監,期間多次獲得國際間多媒體設計大獎。2001年回台灣後,成立了故事巢工作室,從事藝術創作與商業設計,曾擔任文化大學的駐校藝術家,並前後任教於交通大學、臺灣師大等多所大學的互動多媒體設計課程,目前為國立政治大學傳播學院數位內容碩士學程 專任副教授。

投身繪畫二十餘年,一直在找尋自己的繪畫風格,走訪世界各國的美術館,加上不斷地摸索與體驗,而創造出「集象主義」。「集象主義」包含了集錦、印象、心象等為主要的創作元素。旅行是秋玉重要的創作靈感來源,每走過一個地方或國家,都會以畫作留下回憶。將當地的地標、文化、特色等表現在同一張畫布上。因此,一幅畫裡包羅萬象,留給觀眾無限想像的空間。有時也以心情的抒發或社會現象集結於畫作中,讓畫面具有故事性而更加精彩。秋玉運用多年所學的各種畫派理論及技法,例如印象派的光影、立體派的分割、未來主義的動式及形象畫派的造型變化等,讓觀賞者充滿豐富多樣的視覺趣味,力求獨特性及個人特色,這就是秋玉主張的「集象主義」。

馮佩韻,一個始終保有藝術創作之夢的女子,自小到大,無論學習或工作,都與美結下深深的緣分。在國際時尚精品業悠遊多年後,決定跟隨內心的聲音,回到最愛的藝術創作之路,2009年加入金世紀畫會,並每年參與聯展至今。2013年,她以油畫創作〈人生初見〉個展初試啼聲,透由豐富的色彩與自由的畫風,帶領觀賞者進入如和風吹拂過的靜謐與舒坦世界。 她的畫不講究花俏技法,但多層次的色彩運用,屢屢讓人驚歎,純熟奔放中處處洋溢著對生活的美好期盼與對生命的深刻體會;而豐富的國際時尚美學養成,更令她的創作散發出與眾不同的都會感。


花是美麗的,那種美麗不只是外型上的甜美,更是一種生命的展現,如同梵谷所畫的向日葵之所以感人,因為他投射了自身的情感,描繪出向日葵在將死而未死之際,伸展它的枝葉,舞出最動人的姿態。劉佳琪也是以同樣的心態在表現花卉這個主題,不管是綻放的百合或是枯掉的向日葵,劉佳琪以擬人的角度,用主觀的色彩聯想,希望大家看到如同她所看到的,感受每一朵花都是用生命在綻放「她」的美麗!

李雨樵創作理念來自當代都會與自然空間遞聯的有限,造成他自身對於自然景觀的陌生化與疏離。李雨樵以攝影影像為基底,在寫實為基礎的影像上,進而創造多樣的花卉視覺經驗,如相片式對焦、柔焦化、塊面、或是具有裝飾意味、東方色彩的配置等,能體會在溫文的對談中,對於繪畫與影像本質的積極探索。

1983生於台北,師大美術系學、碩士,現就讀師大美術系博士班。大學前並未就讀美術科班,反倒是高中時因為興趣加入棒球校隊。而後因傷改參加美術社,也就此踏入了繪畫創作之路。近期創作風格多以透明罩染技法呈現,「澤畔」系列以台北近郊為題出發,具象的形式中投入些許個人對情緒的詮釋,作為探討「道」與「心」在天、人之間,自然與造化、永恆與非永恆的主客觀關係。

楊自然,人如其名,多年來幽居田野,生活的態度以崇尚老莊“無為而治”,創作上堅持以純墨色墨韻傳達他的理想畫面,實現“只有黑白--不論人間是非”,清楚知道自己的創作方向,或人物、或田園風景,總是信手拈來,卓然成趣!

繪畫是靈魂裡不可或缺的騷動, 對林中信而言,生命的燦爛就是讓畫筆自在的從心所欲,任何一個大師對世界的貢獻,都不是結論,而是---美的片刻---------片刻即永恆!

1966年雲林出生,台北長大。城市裡的鄉下人。1999年遷居台南,成了鄉下裡的都市人;長久以來為了找尋畫面,連同心中的那份真實,每幅畫都在費盡心思的要求下,總要反反覆覆來上好幾回。修改的思緒,讓繪畫這件事變成自我成長的載體。面對眼前的對象物,除了感知大量情境的繁複素材之外,事後的微調,相形重要。只因經過反芻,最終的氛圍表現,才是我理想的追求。

1971年生於台南柳營。我成長於鄉下,喜歡田野的寧靜與優雅。常會抽離現實的繁瑣環境,漫步在自然之中。感受陽光、風、鳥語等在空曠的田野裡對話著。莫名的感動,油然而生,藉由面對戶外自然的寫生,讓我釋放出另一個自己,傳達心中帶有詩意的繪畫作品。

謝宏達任教於國立台北教育大學藝術與造形設計系,國立臺灣師範大學美術系畢業後,赴美獲紐約市立大學繪畫暨維吉尼亞州立大學視覺傳達設計雙碩士,接受現代超寫實主義大師Phillip Pearlstein的指導。 近十年來「臺灣溪水系列」作品賦予畫中光影色彩豐富的變化,並從中喚醒對臺灣本土溪流的美好印象,進而產生尊重自然愛惜生態環境的正面能量與意識。


陳歡,美國加州北方大學藝術碩士,幾年前遠赴清華大學美術學院進修當代油畫藝術,回台後畫風讓人耳目一新,陳景容教授稱其為一夢與詩的表現主義者。在多種美學底蘊與生命人文哲思的豐富淬鍊之下,以自然滴流抒情手法擺脫傳統的學院派束縛,創作中蘊含虛實平衡浪漫唯美及濃厚的東方禪意。


"東方新境" 東方文化新創意。 幾十年畫畫,從紐約到台北,不斷以油畫創作,創作的內容是具有文化感受的創意,結合東方及西方。這次是東方為表--題材,西方為用的創作觀念。近作喜歡用框架突顯色彩的空間立體層次。色彩是感覺的,感性的以畫西畫的方式畫東方文化含意,風格有別於傳統。這次畫的:松、竹、梅、荷、牡丹。用不同詮釋的方法,畫出詩意東方。東方為表徵,感性與理性是帶有西方科學的理念,西方藝術影響下的表達方式。我們生活在東西方文化相互影響的年代,畫作是具有西方色彩的東方文化。傲骨寒梅飄香、牡丹雍容華貴、荷花清新脫俗、竹使人不俗,是東方古意新情境。表現相同的內容及不同的創意形式講究的色彩,呈現完整的視感覺。

非線性發展或不完整成為更多他者的可能。 暖暖淡淡地,作品遊戲時間材質讓多時態多重事物自為的延伸動力,透過逐漸的進展而成,探尋著之間擾動的感知經驗,想要的不是時間追憶的影像,而是讓觀者通往另一邊。

關注於作品中被創造出來的圖像間的政治關係。 繪畫做為作者心理狀態的映射,作品企圖對話出差異於內心的獨白,咀嚼生活所反芻出的差異影像在創作的過程中形成非意識的力度場域,進行無法預告的遁逃與異化,奔向一種異域的陌生強度,在可辨識與不可辨識間,在擬人與擬物間,進行一場關於材料與思想,有預謀卻無法預期的事件。

1982年生於嘉義市。陳鏘旭對於繪畫有著強烈的敏感度,試圖以富含東方美學的風景畫為創作的主軸,在此路徑上不斷嘗試、開展、延伸、變形,並將不同的繪畫語言強力併置,而語言、媒材、形式、名稱之間相互攪拌並互為線索,使作品本身迸發出一種陌生而獨特的個人面貌。

張韻明的作品一向以來,不斷在挑戰自我,突破既有框架,帶著超現實意向,以浪漫的筆法,略微狂野的筆觸,表現自由又充滿人文意趣的心靈風景。 他的畫作反應久居在城市中,人們感性的反射,描繪都市人對大自然的渴望,窗外花荷、屋角綠意等皆是他的繪畫元素。他用最自由的筆法,將隨處可見的物象轉換成創作中的符碼,以呈現都市人對抽象概念的迷失。張韻明畫作的結構,是用心靈的眼睛來重組物象,在融合作者生活體驗後,追求視覺上的原相,並探索藝術創作另一個可能的層次。

陳臻透過大量書刊,深入研究大師技法,不斷提昇自己的創作高度。他的繪畫率性真誠、技法純熟,不論是風景寫生或人物畫,賓主融洽和諧,毫無矯揉造作或突兀的感覺,常讓人有驚鴻一瞥的讚嘆,令人佩服他的巧思與畫技。

登山專家要登上台灣百岳挑戰的難度已很高,一位畫家要在百岳上完成百岳的油畫,更是難上加難,師承李德和粟海的謝江松,將油畫的境界帶領到台灣百岳之上,更用了十七年的時間在百岳上作畫,他的畫風承襲了兩位畫壇大師的風格,更延續了大師油畫更高的境界。

開始之前,結束之後。在林莉酈創作的進程中,學習的功課是「不害怕失去」。擔心結束而不開始,害怕失落而先捨去。因此畫面經常是空盪寂寥的。但仔細觀察,其中有許多人活動後留下的餘溫,我紀錄有感應的城市空間。像是電影裡的空鏡頭;在派對開始之前,曲終人散之後。慢慢地,捨與得的界線模糊。存在的部份更襯托出被刪去之處。平淡而恆常存在。

郭芃君出生於1985年台北,高中畢業後即到倫敦中央聖馬汀藝術學院攻讀視覺藝術,直到2007年回到台灣,而後於台南成立工作室。在台南她開啟了台灣文化與色彩的研究,同時作品為彰顯色彩的搭配,畫風轉為扁平的風格。近年來她不斷嘗試理解顏色與地方與文化的相互關係,從生活空間中的色彩解讀,到傳統建築彩繪講究的五色並進、相生相剋的色彩概念,企圖自傳統與生活中摸索一種新的地方色彩詮釋。

夏勳1931年生於安徽合肥。1951年師於馬白水,後隨李石樵習畫。夏勳隨李石樵習畫之後,畫風受其影響頗深。他以薄塗法作畫,一層層地堆疊上色,畫面有著一種清透的感覺,構圖佈局平和穩健。其描繪特色是善用高彩度的明亮特質,融合了瑰麗的溫馨畫面,始終能讓人聯想到一個陽光普照並歡樂洋溢的世界。

畢業於大學建築系,五十歲後為了完成童年之夢,毅然提筆摸索地進入油畫的陌生世界。其作品中隱約的呈現空間與透視的設計感,畫作中理性的筆觸轉化為感性的傳達,光影的處理更有獨到的見解,每一幅畫都像畫設計圖般呈現一種與眾不同的風貌。

1972年生於台北。曾主修環境工程的陳敏澤,對於土地 環境以及生活周遭的人、事、物具有深厚的情感,以敏銳的藝術語彙搭建記憶中的台灣風景。她的作品色彩強烈、造型簡潔,重視藝術與人之間溝通的價值,希望透 過藝術啟發觀者,對「幸福」的本質有所體悟、對環境的變異多些關懷與反思。

1983年生於台灣新竹。林煒翔以失焦的視覺經驗定位風景,表現緩慢與不停推移的時間感;趨向簡化的構圖與單一的色調統合畫面意象,呈現雲霧自由流動與山水飄移的張力,帶領觀眾咀嚼生活中易被遺忘與忽略的細微感動,讓人在觀賞畫的同時,重新認識自己以及自身所處的世界。

1985年生於台北。畢業於台北國立藝術大學的林慧姮,以豐富的想像力與色彩配置,創作出ㄧ幅幅有趣可愛的恐龍世界。揣摩曾存於世的生物們各種生活姿態,慧姮以美好甜蜜的場景諷刺 ,提醒現今人類為了一己私慾,使其生存空間不斷遭受侵襲,用其世代的語彙做出對大自然深刻的提醒。

堅持傳統技法與精密寫實的黃銘昌,是九零年代台灣仍持續精進於鄉土寫實、深刻表達人文向度的藝術家。以嚴謹簡化的構圖承載超乎真實的美感張力,訴說著台灣土地的豐美。

陳顯棟堪稱是兩岸抽象繪畫的大老,抽象作品呈現出大自然的美好壯麗。曾多次橫跨兩岸各地展出,眾多藝術學刊大篇幅報導,上海大學美術系馬琳博士也說:陳顯棟的油畫作品, 讓人想起江南山水的空靈、優雅與浪漫,畫面猶如大自然的華彩樂章。他的故鄉中國海南島, 並為他成立基金會,是當代極為熱門的抽象繪畫大師。

馮鍾睿早期作品帶著有如宋、元山水畫般淡淡的詩情,之後在技法材料上不斷精深,創作自然地融合水墨與油畫,再加入中國書法的金石趣味,使用多元技法與複合媒材, 加之佈局與質感肌理的細膩處理,形成豐富、優雅的金石肌理,其抽象作品深受西方收藏家及學者好評,其大作廣獲包括美國哈佛大學等眾多美術館典藏。

果德最擅長表現花卉題材,作品蘊涵繽紛花語的詩意,優雅浪漫,畫面散發著大自然的氣息與豐富優美的律動感,透露著瀟灑寫意的氣氛,用色沉著典雅,清麗脫俗,廣受國內、外收藏家喜愛與收藏。

張譽懷,其唯美抽象作品, 綜合國畫傳統與歐美新思潮,為台灣傑出的中青輩藝術家. 他的東方唯美抽象油畫,造境絢麗浪漫,肌理厚實有動感,造形點、線、面變化靈活,冷、熱抽象語言兼具,有時像豔夏的火熱狂舞,有時像初冬的楓紅映雪,有時像春神的繽紛舞曲,有時像新秋的野塘山村. 張譽懷抽象作品隨著歲月與社會歷煉的成熟而豐富多姿,頗獲海內、外及兩岸收藏家的欣賞。

管樸學為山東藝術學院副教授,作品充滿春天繽紛亮麗的色彩與自然流暢的形象,使畫面散發通透的光彩,畫筆與畫刀交替使用,自在揮灑,渾然天成,令觀者心緒雀躍飛揚,整體呈現一種幸福光亮的情調,並洋溢著浪漫的氣息。

從事專業藝術創作20餘年的李舜強,多次獲得省級、市級藝術創作獎項, 為中國大陸省級畫師。作品多以山林風景、原野花卉為元素,用筆渾厚流暢,自然純樸山村、鄉野,開闊明朗的氛圍下,讓觀者有與大自然共舞之感。畫面洋溢著光明與活力的情境。

林華的作品,每一幅均有獨到的構思,畫面肌理奧妙,造型獨特穩定,具有宏偉的創造力,富有強勁有力的線條與大小絢麗的色彩,使畫面產生沉穩的組織,品並擷取大自然元素,蘊含著東方文化內涵,無論山嵐凝聚,雲起霧行,山鄉景致或百花奔放,皆變化無窮,充滿著無限的生命力。作品顯得柔美又有律動感,令人激賞。

李弘毅以泛印象派表現手法融合新古典主義的造型描繪能力,用直接寫生的方式記錄土地的風情倩影,畫出台灣人文、地貌、族群以及氣候光影的多樣性。他的風景清新質樸、恬靜親切,帶有濃厚的鄉居氣息

從不間斷的旅行與寫生讓吳亭萱的畫作充滿生命力,她以趨近於抽象的筆調畫出具象的景物。吳亭萱筆下的風景沒有奇巧險峻,只有一片對人與土地的熱愛,一筆一畫都是屬於她自己的樸實風格。

余連春擅長以塑土作為表現素材的Terracotta(土塑燒),他的「素塑」將繪畫素寫的概念轉化在雕塑上,快速精準的掌握住人體動態下的構造,表現人體的各種姿態及情緒,近年來更將銅、鐵、土、石膏等加入其中,創造雕塑的無限可能。

紀錄短暫美好的影像與恆常事物的變化是蕭北辰專注的命題。藝術家從平凡景象汲取靈感,透過溫柔的理解,經過幾何造型和色彩變造,再以特殊媒材層層描繪疊製,轉化成為精緻封裝的時光斷面,將日常經驗賦予全新的感受與意義。

柯偉國善以水墨為媒介,以疏淡的墨色和細膩的筆法描繪當代生活和周遭的人事物。藝術家將物體打散成細碎墨點的連結,呈現一種對既有觀看習慣的消解過程,也提出了佛教禪宗「觀無常」的思想,作品雅致,韻味悠長。

林芝宇重新審視影像的敘事形式及意義,作品使用歐洲風景照片為底,使用特殊墨水和溶劑,使畫面呈現的色調隨時間慢慢變化,透過媒材的特性隱喻人與環境、地方與全球之間是無可切割的命運共同體。

慣常使用多樣影像媒材複合運用的鄭安齊,照片拓印、撕除和地圖、繪畫的拼接是創作的主要手法,他以多重視角的虛擬空間,探討當代空間如何被創造、被規劃以及如何被使用。作品隱含著中國山水的審美方式與浪漫真摯的人文關懷。

彭光均的銅雕在色彩與材質搭配上,具有獨到的眼光及研究;早年的雕塑較為寫意,近期的人物雕像以寫實為基礎,在人物的表情與體態上注入更內斂的韻味,搭配高雅的色彩,使原本沈重的雕塑呈現一股輕盈、華麗的質感。

韓旭東的木雕創發於人類學的觀點與思維,以幽默的題材、不協調的手法陳述社會與文化現象,賦予它們新的意涵,在展現傳統木雕紮實技法的同時,更創造出題材獨特的趣味性。

1962年生於台灣桃園,從事美術教育多年。傅彥熹的作品從生活及自然中汲取大量的靈感,藉由繪畫連結外在的現象與內在的感情,再透過藝術轉化、傳遞給觀眾;不論是風景或人物繪畫,在純熟的寫實技巧之中包含著細膩雋永的情感。

柯衛光的繪畫精細寫實,藉由深入的觀察、細膩的筆觸,精準地掌握動物姿態及人物神韻,尤其在光影的層次與物體質感捕捉最為精妙,能將當下的溫度、濕度與氣味一併融入作品之中,近年作品多以生態動植物為創作主題。

賴鴻爵在列賓美術學院進修,他的作品半身油畫肖像「依蓮那」以及單身油畫人體、素描人體皆獲得列賓美院收藏。賴鴻爵的繪畫不刻意強調強烈的光線與陰影,畫 面亮度落差不大,但包含了綿密豐富的層次,呈現人物、景物在不同時空的微妙差異。

1978年生於桃園大溪。陳俊華擅長以天地、山石、林木、島湖、溪流等自然元素與代表文明痕跡的人文符號,重新連結、重組建構出新的場景與世界。獨有的山水意境與超現實風格,吸引人進入其創造的人間夢土。

藝術創作活動是一個不斷尋找自我的過程,侯忠穎藉由創作的過程中尋找自己真實情感,並正視所有的情緒變化,找到思緒的平衡點。畫作以冷靜觀照的方式,利用具體圖像取代迷離撲朔的抽象情緒,作為一種深刻的紀錄。


1987年生於台灣新竹。馮珉彤的創作秉持著遊戲的精神,透過一株株奇幻植物的生死枯榮,影射著人們日常中的種種情緒,將生活中複雜的心情轉化為各種植物的姿態,挑起觀賞者的好奇心,並引領觀眾經歷一場絕妙的視覺漫遊;畫中自由奔放的表現能力,有效地將自得其樂的愉悅感傳達至觀者心中。

陳景容素描功力深厚,作品多以灰藍色系為主調,瀰漫著寂靜疏遠的超現實氣氛,藉著消瘦憂愁的人物,開闊空寥的廣場,冰冷無神的雕像營造了強大的情緒張力,除繪畫外亦擅長版畫、壁畫、馬賽克等多種媒材創作。


作品將傳統水墨的線條力道與構圖,轉現於油畫畫布上,無論寫意或寫實均顯氣韻生動。龐均在細膩的設色調配上有多方面嶄新的嘗試,可以說是兼具西方理論與融合東方人文藝術創新風格的實踐家。


早期由寫實入門,後期創作參酌書畫意趣,不受拘束的筆法構成如嘉年華一般浪漫而美麗的視覺享受,靈巧的創意中兼具了紮實的構圖,同時顯現出作品的純真恬逸。


冉茂芹承自俄羅斯畫派精準細膩的風格,寫實功力醇厚,造型與神韻掌握精確,在「形似」之外更講究構圖與創作巧思,讓描繪的對象形神兼備,富有超越真實的美感。


於中國出生,後由香港輾轉定居於台灣,她憑著一股傻勁自學成為優秀的畫家。長期關懷流浪動物的籍虹,常以一種主觀或帶有故事性的繪畫形式,讓自己鍾愛的動物成為俏皮且人性化的畫因,配合簡明大膽的平塗色塊,輕易地捕捉住感動靈魂的本質。

韓舞麟以精細寫實繪畫風格聞名,專注於描繪物件的質感,探究不同材質的色彩光影變化,作品色層輕薄平滑、紋理清晰,充分顯現畫家高超的寫實技巧。

美國奧克拉荷馬州立大學環境藝術碩士,曾於史丹佛大學研究所博士班進修,抽象表現主義為其主要畫風,畫作色彩豐富斑斕,活潑生動,對她而言,繪畫無國界之分,唯色彩是共通達意的語言。


王秀杞由成長的背景中汲取元素,將農村生活經驗成為雕刻的創作靈感。主題圍繞在人與人、人與自然之間情感互動的表現上,並延伸到對宇宙全人類及生物的關愛;對於石材有相當深入的瞭解,因能順應其紋理特質砌出細膩精準且富有情感的作品。


卓有瑞受到照相寫實風格感染,能客觀詳實描繪對象,另外加入女性獨有的細膩情感,使作品帶有淡淡的抒情成分。作品採局部特寫的描繪方式,以細膩的色點堆疊出光線及質感,使畫作在視覺上進入抽象境界,表現一種凜然的文學氣氛。

李健儀寫實風景的描繪帶有魔幻意味,以古典的描摹方式創造一個廣大而神秘的空間,刻意屏除自然光線的明暗以及空氣流動感,營造一種不真實的視覺效果,肖像則以暗色背景襯托人物的甜美光耀;作品多做不透明乾擦,色彩凝重厚實,頗有古典繪畫的韻致。

因自小生長於充滿女性的環境,因此「女人」便成了日後源源不斷的創作題材。洪瓊華的人物雕塑善以細膩的凝態呈現剎那的情感,作品中不論哪一個年代的女性,皆賦予一抹生動優雅的微笑,透露出女性雕塑家獨有的細緻情感。


作品除了客觀摩寫自然之外,更添加主觀性,使繪畫具備更豐沛的內涵;他的創作構圖嚴謹,筆觸細緻,注重空間的營造與虛實的安排,僂籉a在西方媒材和東方題材中游刃,作品充滿文人畫的典雅與詩意。

水彩畫家,早期以靜物畫而聞名,自1987年開始繪製野生動物畫。創作受寫實風格的影響,尤其對水份、色彩、光影的掌握皆控制自如,畫面生動富饒趣味,層次多變且流暢自然,將水彩的本質表現的淋漓盡致。

1983年生於台灣彰化。林儒鐸的創作從感知生活週遭環境的變異開始,藉由人造的工業風景與各種生活姿態的對應,思考人與他者的關係,以及人造物所帶來的冷漠與疏離感;在他的作品中可見滿溢的創作能量,是一位擁有深沈的藝術語言與豐富表現手法的年輕藝術家。


黃菁的創作致力於追求東方藝術「以形寫神」的境界,他的繪畫對象來自於世界又超越這個世界,來自於物又不僅僅是物。在觀察和體悟現實世界後,用特定的方式把自己的獨特解讀傳達出來,達到「似與不似之間」的絕妙趣味。

楊寒梅的風景與靜物構圖飽滿、張揚、濕潤,帶著年輕時代特有的壓抑與激情、反叛與迷惘,他將自身強烈的情緒投注到繪畫之中,使整幅畫構成一種逼人的意象,令人在看到的第一時刻,便可感受到它所顯現的張力與強度。

把生活的平和、散淡貫穿到作品中,是石煜繪畫的最大特色,他的創作源於寫生,然後加入作者內心的領會,將立意為象的觀念實現出來。在大色塊的畫面上,疏鬆的落筆飽含深意,蘊釀著一種懷舊的人情味,讓風景呈現自在從容的氛圍。

龐海燕的繪畫是她對生活的記錄,那些令人感動的形與色,在她筆下散發出生命之美,讓觀者的心靈隨著輕盈的色彩飛揚。繪畫看似不重視技巧,卻處處流露出藝術家特有的直覺與天真,在不經意中完成實景對心景的轉換,表達出一種全新的神往。

畢業於俄羅斯聖彼得堡國立列賓美術學院,畢業創作「新移民」獲聖彼得堡第三大博物館「皇家美術學院博物館」的收藏。鍾敦浩的創作理念由體察生活環境而來,透過精確的寫生功力,將人物、風景瞬間的神態變化,呈現於繪畫作品之中。

以油畫、石雕為主要的創作媒材,風格激昂熱情,具律動性,喜將音樂及舞蹈元素融入作品中,以簡練的構圖,強烈的色彩,突顯主題矯飾媚惑的姿態,與畫刀用筆行徑肌理之美。

薛幼春的創作不拘泥形式,樸素直觀的藝術表現令人聯想起未受文明洗禮的原始藝術,她以用近乎直覺的方式表達內在真摯的情感,挑動觀者的情感;藝壇大師劉其偉讚許她的作品充滿原始、樸拙的特質,是「最基本型式的藝術」,也是「最具生命力的型式」!

1979年生於南投埔里。黃薇以詼諧泰然的手法演繹人與自然競奪生存空間的輪迴;人在侵蝕自然疆界的同時,原本無害的自然也在默默地吞食人類的生存空間,獨樹一格的繪畫風格巧妙轉化嚴肅的環境議題,令人會心微笑卻又發人省思。

劉漢文1965年生於台北,為新世代水彩畫家,擅長以特殊尺寸的畫紙創作,將寫實與虛擬空間自然地並置在構圖之中,運用不同於一般人熟稔的水彩技巧,不斷地嘗試自創新法,使作品融合水彩藝術與現代設計的風格。

1965年生於台北市。 江東隆擅長台灣風景寫生,他以寫實的技法,忠於原味地畫出台灣這片土地的美景和風俗民情。對他而言,藝術是生活、感受力、 生活經驗的傳達以及對大自然的深刻體驗。


「生活是美術的全部,一切『秩序』成為美化人生的首要條件。」這是王瓊麗的創作理念,因此她的繪畫多從發掘生活之美切入,題材跨越許多領域,包括人物、風景以及原住民、歌仔戲等民俗風情。她擅長以豐富明快的色彩與凝練的技法,讓變化的筆觸達到和諧與秩序,畫面生動,耐人尋味。


乘光。白:乘光。白以自己獨特的創作方式 ── 銅雕配合燈光、空間、音樂等多項元素,創造出一個光影迷離的空間與氛圍。她的雕塑作品以手工敲打鑲置的方式,結合純銅、玻璃、鏽鐵等素材,製造各種浪漫夢幻的光影變化。乘光。白向宇宙學習如何表達光、傳遞光、分享光的生命旅程,讓觀賞者猶如置身在浩瀚的蒼穹裡,翩然起舞。


從小生長於純樸的鄉間,因此她的創作以自然主義為創作出發點,並在創作中融入人文關懷的情愫。她將平日觀察的景物,蟲鳥、花草以及寵物貓咪作為油畫或漆畫的創作元素,從細膩寫實的風格裡,傳達她對於大自然的萬物敏銳的感受力

大膽嚐試融合多種媒材,作品常使用朱紅、翠綠等高明度色彩,以幽默的視野結合勾勒筆法,賦新意於傳統的窗花、神仙、仕女、吉祥物、宗教、戲曲等題材,突顯古卻不俗的氣氛,表達出屬於現代的台灣色彩。訪談內容

素以人物畫聞名,擁有深厚的水墨素描功力,結合西方藝術中的空間透視,取材自台灣民間生活,以線條為骨,墨色敷染為肉,勾勒出生動的眾生相,d當代生活留下完整的紀實,寫實亦傳神,引人入勝,其線條流暢而穩重,筆觸迅捷有力,厚實中不失靈逸俊秀之氣,巧妙點出人物的神韻與生活性,為相當具有時代性的藝術家。


曾任北美館、歷史博物館館長,現任台灣藝術大學校長,擅長花鳥畫,作品呈現出細膩的大將之風,大筆揮灑墨色,再綴以具象筆墨、點景與收拾,寫意而流暢,或以大片墨色渲染成牆,時而輕快流暢,時而濃厚凝滯,再破以花鳥果物,遊走散落於其間,形色兼備的表現出藝術家自我與社會環境的對話。


現任台灣師範大學美術系所教授,近年來勤於研究各種媒材,學貫中西,力求創新,奠定藝術家自我的獨特風格,作品風格燦爛鮮亮,鮮艷飽滿的色彩佐以流動的墨韻,除了表現當代風景與生活,沿用1960年代普普藝術的「重複」概念,以符號性的繪畫語言表現蟲鳥魚獸,生動有趣,說明了藝術家對大時代的歷史解讀,與當代時空環境的對談互動。


現任台北藝術大學藝術學院院長,兼擅水墨、書法與篆刻,站在「心法實相」的定點,自傳統水墨畫出發,在題材、媒材與技法上力求創新,融合古今,並自創「灑鹽」畫法,表現魚群躍動、水花飛濺的動感。除了以筆觸線條描繪眼中的山水風光、飛魚浪花,亦運用彩度高對比的紅、黑色,營造東方哲學裡的出世情懷,更彰顯藝術家心靈合一的藝術觀,別具趣味。


沈哲哉為台灣第二代資深畫家,歷經紮實的基礎素描和設色訓練,擅用對比色系,喜以乾擦層層塗刷施彩,營造粉彩的迷濛效果,視覺呈現瑰麗繽紛,瀰漫綺異魔幻的情調,人物唯美浪漫,女子與芭蕾舞系列尤具代表性,以鮮明搶眼的色彩表達含蓄內蘊的性格,散發觸動人心的獨特魅力。

從事藝術教育三十餘年,培育啟發無數藝術創作後輩,也多次參加國際文化交流展,畫風典雅樸實,以和諧的色彩與簡鍊的筆法表現出對人生與自然的禮讚。此次展出作品題材以台灣各地自然風景為主,吟詠台灣自然環境裡的寧靜與恬淡,令人心嚮往之。

從事藝術創作四十餘年的陳明善,除了水彩外,也從事油畫創作,近年更研究出以油畫顏料表現出水彩畫灑脫淋漓的渲染技法。作品風格灑脫,以哲學思維將對象化繁為簡,形式結構大片明快,色彩運用透明且富層次;近期作品喜愛以紫色來描繪花卉、人物、山川與靜物等題材,以表現藝術家眼中的台灣鄉土風貌。


有「畫壇獨行俠」、「儒俠」之稱的陳陽春,作品飄逸唯美,善於將中國的留白觀念運用在水彩作品中,結合中西繪畫技法,形神兼具的表現出台灣靜謐的田園風光以及靈動脫俗的東方女子,多次獲邀至國外授課,因此有「文化大使」的美譽。

從事美術教育與水彩創作已四十餘年,喜愛旅遊寫生,畫風寫實也寫意,用筆簡潔有力,融合書法技法於水彩畫中,並運用後印象主義塞尚的還原原理,將對象簡化為塊狀來處理,因此作品結構講求寬闊的筆觸而不拘細節,風格雄偉渾厚,用色大膽。

現任銘傳大學商設系講師的郭明福,作品寫實,風格流暢,也以其水彩創作的專業背景,著有《水彩畫》、《水彩靜物畫》、《走進水彩畫的世界》、《風景水彩初階》、《風景水彩進階》等水彩專業書籍,充分展現出他在水彩創作上的專業性,對推廣水彩教育也不遺餘力。

畫作常見流暢的線條與塊面飛白筆觸交織穿插,有時安排鮮豔色調與黑白色系的強烈對比,亦擅於巧妙應用畫布原始質感增加肌理變化,使其畫作充滿隨筆載下的速寫風格,關心結構與造型,解構具象,創作出深刻繽紛、具現代格調的作品。

1961年出生於台北,於師大美研所畢業後,前往巴黎攻讀造型藝術碩士學位,返國後,除藝術教育外,也致力於創作,於台灣和巴黎舉辦多次個展。對於山林生態頗有研究的鄭治桂作品以風景寫生為主,將中國水墨「用筆」和意境的觀念融入油畫,筆觸粗獷有力,並在留白的空間中顯現抒情寫意的風格。


1962年生於台中市,1992年開始全心投入油畫創作,初期深入研究印象派技法,尤重光影與色彩的表現,後又融合野獸派的激情狂野及中國水墨潑染筆法意境,創造個人獨特之風格。作品主要分為風景與東方人物兩大系列,本次展出以國外風景為主,筆觸隨性而突顯肌理變化,以交揉的鮮麗色彩呈現繽紛燦爛的水都風貌。


1926年生於中壢市,自幼酷愛文學及藝術,中學畢業後赴日求學,自修繪畫,光復後返鄉,師事李石樵,獲獎無數,漸於畫壇嶄露頭角,現為台灣重量級的畫家。


具強烈的個性與生命力,兼具女性柔情幻想與浪漫情愫,色彩表達與畫面構成跳脫約定俗成的邏輯觀,以放大、扭曲、變色等方式突顯物件個性,於畫作上綻放屬於自己的語言。訪談內容


1971 生於台北
美國紐約大學藝術研究所碩士
國立藝術學院美術系學士



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